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Diseño de Accesorios
Por: Laura Beltrán y Emily Vergara
2025
En Shintai, el cuerpo aparece como un espacio de conciencia. No solo como materia que ocupa un lugar en el mundo, sino como el territorio donde se acumulan percepciones, tensiones y procesos de transformación que muchas veces ocurren de manera silenciosa. En una época atravesada por dispositivos, datos y sistemas digitales, la experiencia corporal se desplaza constantemente entre lo físico y lo virtual. El cuerpo se vuelve entonces un lugar ambiguo: todavía humano, pero cada vez más mediado por la lógica de la máquina. En ese cruce, la pregunta por la identidad deja de ser solamente social o cultural, y se vuelve profundamente corporal: ¿qué significa habitar un cuerpo cuando parte de nuestra experiencia ya no ocurre en él?
CUERPO DIGITAL
MOOODBOARD
CONCEPTO
Shintai surge en un momento donde la relación entre el cuerpo y la tecnología deja de ser extraordinaria y se vuelve cotidiana. Habitamos dispositivos, interfaces y redes que median constantemente nuestra percepción del mundo. En este paisaje saturado de estímulos y conexiones permanentes, la experiencia del cuerpo comienza a desplazarse hacia lo digital, generando una pregunta silenciosa: ¿qué ocurre con nuestra identidad cuando cada vez más aspectos de la vida pasan a través de la máquina?
En este proyecto, el cuerpo se entiende como un territorio introspectivo: un espacio donde la percepción, la memoria y la identidad se experimentan desde adentro. Inspirado en el concepto japonés 身体 (shintai), que entiende el cuerpo como un lugar donde habita la experiencia del ser, la colección explora la tensión entre humanidad y tecnología. Aquí, la máquina aparece no como herramienta funcional, sino como un espejo que revela una inquietud contemporánea: en la búsqueda de conexión constante, el proceso personal de encontrarse a uno mismo comienza a diluirse.
INDAGACIÓN
Las narrativas de Neon Genesis Evangelion y Serial Experiments Lain desarrollan una reflexión filosófica sobre la transformación del cuerpo y la conciencia dentro de contextos profundamente mediados por la tecnología. En ambos universos, la máquina deja de ser una herramienta externa para convertirse en una fuerza capaz de alterar la identidad, la percepción y la experiencia humana. Conceptos como el posthumanismo, la transmutación y la disolución entre carne y sistema aparecen como cuestionamientos sobre los límites de lo humano frente al avance tecnológico.
En Evangelion, la sincronización entre piloto y EVA plantea una pérdida progresiva de la individualidad, donde cuerpo, mente y máquina comienzan a fusionarse en una sola entidad. La serie dialoga con ideas del cyberpunk y teorías como el “Manifiesto Cyborg” de Donna Haraway, proponiendo una humanidad híbrida que supera los límites de lo biológico. A su vez, la transformación corporal se relaciona con la alquimia y la metamorfosis: procesos donde el cuerpo se destruye y reconstruye constantemente para alcanzar otro estado de existencia.
Por otro lado, Serial Experiments Lain traslada esta tensión hacia la hiperconectividad y los espacios digitales. A través del Wired, la serie plantea una realidad donde la información comienza a reemplazar la experiencia física y emocional, desdibujando las fronteras entre conciencia, simulación y mundo material. La identidad deja de entenderse como algo estable y se convierte en un sistema fragmentado, atravesado por datos, redes y percepciones artificiales. Ambas obras construyen así una visión crítica donde la expansión tecnológica no solo transforma el cuerpo, sino también la manera en que el ser humano se relaciona consigo mismo.
MOODBOARD DE TENDENCIA
La tendencia seleccionada desde el estudio STEPIC de WGSN explora el crecimiento de experiencias donde la tecnología deja de percibirse únicamente como herramienta funcional para convertirse en un sistema sensorial, emocional y perceptivo. A través de imaginarios ligados al glitch, la bioluminiscencia, los acabados iridiscentes y las interfaces digitales, esta tendencia observa cómo la relación constante con dispositivos y entornos virtuales transforma la manera en que experimentamos el cuerpo, la identidad y la realidad. Más allá de una visión futurista optimista, plantea una reflexión sobre la disolución progresiva entre lo humano y la máquina, donde la percepción comienza a construirse entre estímulos digitales, sistemas artificiales y experiencias inmersivas.
En Shintai, esta tendencia se traslada hacia una exploración introspectiva del cuerpo dentro de la era posthumana. El proyecto toma referencias biomecánicas, estructuras modulares y códigos visuales inspirados en sistemas tecnológicos para construir accesorios que funcionan como extensiones ambiguas entre piel e interfaz. A través del uso de cuero, contrastes entre rigidez y flexibilidad, y una estética influenciada por universos como Neon Genesis Evangelion, Serial Experiments Lain y Ghost in the Shell, la colección propone una visión crítica sobre cómo la conexión permanente con la tecnología modifica la experiencia humana y el proceso individual de construir identidad.
༒︎ Digital Neon Genesis ༒︎ Biotech Simbio ༒︎ Extraordinary Technology ༒︎
PERFIL DE USUARIO
Jovés de Bogotá de entre 22 y 27 años, el usuario de Shintai es una persona profundamente consciente de sus emociones y de la construcción de su identidad. En su vida cotidiana recurre constantemente a artistas, obras, películas y universos visuales que alimentan su imaginario y su proceso personal de inspiración. Suelen involucrarse en actividades creativas que les permiten explorar su sensibilidad y expresar su forma de ver el mundo.
Mantienen un alto consumo de contenido digital —ya sea a través de redes sociales o plataformas de música— donde encuentran nuevas referencias culturales y estéticas. Su relación con la moda es cotidiana y funcional: buscan piezas cómodas que dialoguen con su estética personal sin depender de las tendencias. Disfrutan asistir a eventos de música electrónica, espacios donde el sonido, la luz y el cuerpo se encuentran en una experiencia sensorial intensa. En general, se trata de personas altamente sensibles a los estímulos visuales y sonoros, que entienden el entorno como un campo constante de percepción y experimentación sensorial.
PALETA DE COLOR
La paleta cromática de Shintai se construye a partir de una base sobria dominada por el negro y el crema, colores que funcionan como un fondo silencioso donde el cuerpo y los objetos adquieren presencia. Sobre esta base emergen acentos de morado, rojo y verde que introducen tensión visual y profundidad simbólica. El rojo aparece como un pulso vital que remite al cuerpo y a su dimensión emocional, mientras que el morado evoca lo introspectivo y lo espiritual, reforzando la idea del cuerpo como espacio de reflexión.
El verde, por su parte, introduce una sensación de energía latente y conexión con sistemas vivos, creando un contraste con las materialidades sintéticas presentes en las piezas. En conjunto, la paleta construye un equilibrio entre lo orgánico y lo artificial, reforzando la atmósfera introspectiva y ligeramente distópica que atraviesa el proyecto.
CARTA DE MATERIALES
La materialidad en Shintai refuerza la relación entre superficie, cuerpo y sistema. El cuero se convierte en el material central del proyecto por su durabilidad, su capacidad de adaptación al cuerpo y su carácter atemporal, cualidades que dialogan con un usuario que valora los objetos como extensiones duraderas de su identidad.
A través de acabados que alternan entre lo mate y lo brillante, y mediante estructuras que combinan rigidez y flexibilidad, las piezas construyen una tensión constante entre lo orgánico y lo artificial. Los accesorios —tabi y estructuras que envuelven el torso— funcionan como puntos de contacto entre el cuerpo y lo tecnológico, sugiriendo que la superficie de la piel puede convertirse en una interfaz sensible donde la experiencia humana y los sistemas artificiales comienzan a superponerse.
PROCESO DE DISEÑO
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ESTAMPACIÓN
La estampación de los forros funciona como una capa íntima del proyecto: el mapa de bits inspirado en Rei Ayanami remite a la digitalización de la identidad y la fragmentación de la percepción, mientras que la textura de carne introduce la presencia de lo orgánico y lo vulnerable. Ambas imágenes construyen una tensión entre cuerpo y sistema, donde lo humano y lo artificial conviven dentro de una misma superficie.
PROCESO DE ELABORACIÓN
BOCETOS
FIGURIN
FOTOS
CORTE Y PROTOTIPO
EDITORIAL
